Mafalda, cumple sus dulces y reflexivos años.

La universal niña precoz e inquisitiva, creada por el dibujante argentino Joaquín Lavado "Quino", celebra sus primeros 45 años de vida.

Aunque Quino la creó originalmente como parte de una campaña, que nunca se realizó, para anunciar la marca de electrodomésticos Mansfield, en 1962, la verdadera fecha que se reconoce como cumpleaños de Mafalda, es la del 29 de septiembre de 1964, cuando la tira cómica protagonizada por la niña que aborrecía la sopa y adoraba a los Beatles, fue publicada por primera vez en el semanario Primera Plana de Buenos Aires, sin imaginarse su creador, que estaba haciendo historia y no solo historieta, modificando para siempre la cultura popular de generaciones futuras.

A partir de entonces, las aventuras cotidianas – y plenas tanto de inocencia como de sano sarcasmo- de Mafalda, Manolito, Felipe, la inefable Susanita y el resto de los entrañables personajes salidos de la pluma de Quino ocuparon regularmente las páginas de innumerables publicaciones de Argentina y de otros países. Aunque el autor la dejó de dibujar en 1973 (dando pie esto al insidioso y persistente rumor de que ésta había sido arrollada por un camión de sopa en una última tira 'censurada', cosa que Quino ha desmentido hasta el cansancio: tal cosa no existe) a esa nena de pelo oscuro y carita redonda que hacía gala de una gran inteligencia e ironía, se le sigue reconociendo como el símbolo de rebeldía pasiva por excelencia, que marcó a una época.

 Una niña igual que todas (o no tanto)

¿De dónde surgió la inspiración para crear a Mafalda? Quino mismo no puede citar una sola fuente cuando le han hecho la pregunta: “la infancia de Mafalda, en cierta forma, es la infancia de todos los niños del mundo.” Sin embargo sus preocupaciones no son las de cualquier niña y son el detalle que la ha separado de cualquier otro personaje de cómic, dándole un apecto más universal que ha llevado a las historietas a ser traducidas a más de 30 idiomas, entre ellos el francés, el chino, el griego y el finlandés (como nota interesante, la primera edición en inglés apenas tuvo lugar en 2004) demostrando un éxito global, que va más allá de que Quino ponga en duda que el personaje tenga fama mundial y haya dicho en más de una ocasión, que la considera "igual al resto" de sus numerosos trabajos.

Las aventuras de Mafalda, que primeramente nos presentó a sus padres – Raquel, un ama de casa que trataba de no perder la paciencia ante la manifesta fobia a la sopa y las preguntas de su retoño, mismas que se convertirían en preguntas obligadas para todos los padres de los niños que la leyeron, y el padre, que era imaginativo y generoso- aparecieron a lo largo de ocho años y medio (Guille, el hermanito menor de Mafalda, que llegaría muy rápido a establecerse como un personaje superpopular por cuenta propia, nació en 1968, durante un periodo de 5 meses que la tira estuvo sin publicarse) en Primera Plana, el diario El Mundo y Siete Días Ilustrados, sin embargo, Quino decidió en 1973 que la historia había finalizado, sin imaginarse que aún después de su última aparición, trascendería hasta convertirse la tira latinoamericana más popular e internacional de todos los tiempos.

Los amigos, la familia
En esos ocho años de aventuras, reunidos en un tomo titulado Toda Mafalda, que se ha convertido en un best seller perenne desde su primera aparición, el lector de cualquier edad y nacionalidad, pudo conocer a los personajes magníficos que existen en el universo de Mafalda: sus padres, ejemplo de la clase media porteña que trata de llegar a fin de mes y lo intenta con una sonrisa. Y claro, los integrantes de su pandilla: el ambicioso Manolito, heredero aparente del "Almacén Don Manolo" y admirador rendido de Rockefeller; el soñador Felipe, de noble corazón pero atención volátil, siempre perdido en sus fantasías, la cursi y chismosa Susanita cuyo único sueño es casarse, tener hijitos y perpetuar sus prejuicios sociales (prestándole su nombre a un estereotipo de persona), también redondean el grupo el filosófico Miguelito y la revolucionaria e inconforme Libertad, cuyo pequeño tamaño no es obstáculo para sus ideas.



Con ellos, Mafalda intercaló juegos en el parque del barrio con discusiones por las guerras, en ese momento, Vietnam, la pobreza de muchos países y la falta de equidad con la que en general se maneja el mundo, temas que, cambiando nombres y lugares, siguen vigentes y hacen que la tira se siga vendiendo. El último en incorporarse a la historia fue el que más destacó, el inefable Guille, quien se ganó su lugar en los corazones de los lectores por derecho propio.

Desde que Quino decidió dar por terminada la historia, Mafalda sólo participó en campañas sociales de vacunación, de limpieza de los dientes y la difusión de los derechos de los niños promovida por Naciones Unidas mediante UNICEF y UNESCO. Sin embargo, ha mantenido la vida de su personaje al margen del merchandising, sacrificando, por ejemplo, una millonaria oferta que le hizo una compañía multinacional para que Mafalda protagonizara comerciales de una sopa, prefiriendo mantener su privacía, iluminando las vidas de tantos como ha hecho estos cuarenta y cinco años, en que el mejor homenaje es siempre volver a alguna de sus tiras para esbozar una sonrisa en cualquier momento del día y recordarla siempre con cariño.

España. Madrid y el Día de las Galerías 2009

La fiesta del arte

El pasado 17 de septiembre, la asociación profesional de galerías ARTEMADRID celebró el Día de las Galerías 2009, con una apertura conjunta de todas sus salas hasta la medianoche. Una oferta poco usual, compuesta por casi una cincuentena de las salas más prestigiosas de la ciudad, que surge en homenaje a este día dedicado al arte y a todos los profesionales implicados en su promoción, y al que se suma ArtBarcelona en la Ciudad Condal, Cataluña, España.

Una Noche Blanca, que anticipó la general del día de hoy 19, donde todos aquellos que se acerquen a las diversas galerías implicadas en el proyecto podrán disfrutar del comienzo de la nueva temporada expositiva y que acerca estos espacios, por lo general considerados minoritarios, al gran público, rompiendo barreras y tabúes. La invitación pretende poner de relevancia asimismo la importancia de galerías y salas de exposición como centros que reúnen el pulso estético del momento y cubren una demanda en materia cultural de primer grado de forma completamente gratuita y cíclica.

De este modo, la diversidad, la renovación y la calidad se constituyen en los mejores aliados de las galerías a la hora de consituirse en una alternativa de ocio, como queda patente en iniciativas como la que ARTEMADRID y ArtBarcelona proponen. Un plan al que hay que sumar este septiembre el añadido de la nocturnidad, una circunstancia que se sale de lo común y que ofrece a los amantes del arte, sean coleccionistas o no, una oportunidad única para vivir el arte con la misma naturalidad que el resto de las ofertas de ocio que la noche ofrece.

Argentina. Semana del Arte Buenos Aires 2009

Comienza el Domingo 20 y finaliza el sábado 26 de septiembre.
Toda la ciudad, sus museos, centros culturales, galerías y espacios de arte en Barrio Norte, Recoleta, Belgrano, Centro, Plaza San Martín, Palermo, Retiro, Puerto Madero y San Telmo.
Se realizarán visitas guiadas, conferencias, conciertos, gallery nights especiales y otros eventos, en los diferentes circuitos participantes.
Cada noche tiene su Gallery Night en un circuito diferente
Para el cierre está previsto un Festival de Dibujo para que los niños compartan con toda la familia.

Pinta el ARTE en Buenos Aires

Entre el domingo 20 de septiembre y el sábado 26 de septiembre, se llevará a cabo la sexta edición del circuito de Arte más importante de Argentina.
Por sexto año consecutivo casi cien galerías de arte, museos y centros culturales conformarán a lo largo de una semana, un circuito para disfrutar de visitas guiadas, ciclos de conferencias y diversas actividades vinculadas a la expresión artística.
Esta propuesta única, tiene como principal objetivo seguir acercando el arte a la gente, con el propósito de que cada vez más personas visiten los espacios de arte y participen de las actividades que son libres y gratuitas.
Todos los días se desarrollarán actividades especiales: visitas guiadas, conferencias, noches especiales de Gallery Nights, que acompañados de música, harán de esta semana un evento inolvidable.

Los puntos de encuentro y salida de las visitas guiadas

Todas las tardes, a partir de las 16 horas, se ofrecerán visitas guiadas por profesionales, programadas para todos los circuitos participantes.
Inscripción gratuita a partir de hoy, 18 de septiembre, para más información  (011)633-6336 o ingresá en


www.lasemanadelarte.com.ar

Xul Solar. Ciudadano de los universos

Xul Solar (1887-1963) was an Argentine painter, sculptor, writer, and inventor; a visionary utopian; an occultist and astrologer who yet remained catholic; an accomplished musician who was fluent in seven languages, two of which were of his own devising; and a minor character in Borges’s Tlön, Uqbar, Orbis Tertius. The following images are scans from the catalogue Xul Solar: Visiones y revelaciones, which was published in 2005 to coincide with a major exhibition of his work, staged in Buenos Aires, São Paulo, Mexico City and Houston.

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Xul’s preferred medium was watercolour, although he also sometimes painted with tempera. Kandinsky and Marc’s Der Blaue Reiter almanac was a powerful early influence on his work, and his mature style is somewhat reminiscent of Paul Klee’s. ‘There are paintings of alternative universes, cities floating in the sky or on lakes, creatures that are half man and half airplane, angels, pyramids and whatever else came to him in his reveries’

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Xul was driven by a restless zeal for revision and reform: considering the Spanish language to be ‘several centuries out of date,’ and moreover, ‘a cacophonous language composed of words that were overly long,’ he developed Neo-Criollo (Neo-Creole), whose vocabulary was mostly drawn from Spanish and Portuguese, but which also incorporated elements of French, English, Greek and Sanskrit. He composed texts and even conversed in this invented tongue which, however, was continually changing, with each successive elaboration of it being different than the one before.

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The most important works in Neo-criollo are the San Signos (Holy Signs), a collection of sixty-four visionary texts based on the hexagrams of the I Ching. These texts were written at the request of Aleister Crowley, after a series of meetings between the two men in Paris in 1924. In a letter he wrote to Xul five years later, Crowley reminded him that ‘you owe me a complete set of visions for the 64 Yi symbols’ and added ‘your record as the best seer I ever tested still stands today.’ Although Xul had completed a first version of the San Signos by 1930, only a few short excerpts from them were ever published.

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In the ’40s, Xul devised a second, even more ambitious language-project: Pan-lengua, a proposed universal idiom with numeralogical and astrological underpinnings, utilising an invented script and a duodecimal number-system, whose entire lexicon could be expressed on the board of Panajedrez (Pan-chess), a game meant to be played on a 13x13 board, but which, according to Xul’s friend Jorge Luis Borges, was impossible to learn, owing to frequent and confusing amendments of its rules.

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Aside from language reform, Xul conceived architectural projects, proposed changes to musical notation, and rebuilt musical instruments after his own idiosyncratic design. His need to remake and ‘improve’ extended beyond the artistic & intellectual. ‘With ingenuity and a sense of humor, […] he proposed changes in football: “Why play with one only ball, and not with three or four, and divide the field into six or twelve parallel sectors, like in rugby, and that each player wear a shirt with different letters so that words and phrases are formed?”’

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Artelista. Los básicos del arte II

Para todos los amantes de las artes una nueva entrega de los básicos del arte: diez creaciones que complementan a las ya presentadas y que, por supuesto, serán gustosamente susceptibles de ampliación.



Jan van Eyck: El matrimonio Arnolfini (1434)
Por qué conocerla: Jan van Eyck, principal representante de los denominados Primitivos flamencos, supondrá para la rigidez del movimiento -de líneas heredadas del gótico previo- un paso más allá en la búsqueda del naturalismo. En su célebre Matrimonio Arnolfini puede apreciarse un interés por la captación de la luz y una intención de plasmación de un espacio que va más allá de la mera bidimensionalidad. Junto con esto, el cuadro es uno de los primeros retratos de la historia de carácter no hagiográfico, al tiempo que un misterio que aún provoca discusiones entre historiadores de todo el mundo debido a su alto contenido en símbolos y a la complejidad en planos de su factura (cuya huella puede apreciarse en obras posteriores como Las Meninas de Velázquez).

Massaccio: La Trinidad (1425?-1428?)
Por qué conocerla: La perspectiva fue a la pintura lo que la rueda a la especie humana: el punto de inflexión en su evolución. Un descubrimiento que marcará el comienzo de un desarrollo sin igual y, gracias al cual, el Renacimiento adquirirá su sentido. Y Massaccio será, en este proceso, el artífice de su aplicación pictórica. Retoma los conocimientos de Brunelleschi en materia de perspectiva lineal y los traslada al lienzo, confiriendo a las dos dimensiones, por fin, una apariencia lo más cercana posible a la realidad. El resultado: el fresco de La Trinidad de Santa María Novella, donde queda visualmente reflejado el uso de esta teoría en las líneas convergentes del techo acasetonado, cuyo final es un punto de fuga (base de la perspectiva lineal).


Durero: Adán y Eva (1507)
Por qué conocerla: La aparición en Europa de la imprenta de caracteres móviles (cuya factibilidad debemos a Guttemberg) traerá consigo la creación de todo un rico muestrario iconográfico, surgido al amparo de la facilidad en la difusión de imágenes que el nuevo invento permitía. El grabado se convertirá en el mejor modo de transmisión e intercambio y, en este contexto, Durero será el artista estrella. Sus xilografías se convertirán en modelos cuya influencia puede apreciarse en obras de múltiples maestros renacentistas, como sucede con su famosa composición Adán y Eva, una obra que fue copiada hasta la saciedad y que, además, supone el primer desnudo de toda la historia de la pintura nórdica.


Alonso Sánchez Coello: Retrato de la infanta Isabel Clara Eugenia (h.1570)
Por qué conocerla: Sánchez Coello es el retratista más destacado del Renacimiento español y uno de los principales de la corte de ese gran mecenas de las artes que fue Felipe II. En obras como el Retrato de la infanta Isabel Clara Eugenia puede apreciarse la captación de la psicología del retratado que Coello llegó a lograr alcanzar y, al tiempo, es una excepcional muestra de arte cortesano, en el que se evidencian las influencias flamencas -en el detallismo de la representación- y las venecianas, traídas al entorno del rey por Tiziano (un artista que tuvo una enorme influencia en los pintores de Felipe II).


Artemisia Gentileschi: Judith decapitando a Holofernes (h.1620)
Por qué conocerla: Sin que debiera ser un motivo a destacar -pero que se hace destacable debido a la escasa presencia de mujeres en la Historia del Arte-, Artemisia Gentileschi ha pasado a la historia considerada como la "primera" pintora conocida. No es sin embargo éste el único mérito que se le puede asociar: su obra responde a un marcado tenebrismo, de claras influencias caravaggiescas, y una calidad que han contribuido a situarla entre las primeras filas de la pintura barroca. Su conocimiento de la obra de Caravaggio puede apreciarse en esta representación de una escena del Antiguo Testamento; de excelente factura, su crudeza y su tratamiento lumínico no tienen nada que envidiar a los conseguidos por el maestro italiano, muy cerca del cual se posiciona.

Bernini: El éxtasis de Santa Teresa (1647-1651)
Por qué conocerla: Si el Barroco, en los géneros "decorativos" al menos, supuso teatralidad, exaltación de las pasiones e integración de las artes, no podría encontrarse mejor ejemplo para corroborarlo que El Éxtasis de Santa Teresa. La escultura de Bernini es una de las mejores piezas de todo el barroco italiano: una mezcla de espiritualidad y terrenalidad obtenida a partir de una excelente ejecución y una cuidada e inteligente composición escenográfica (que pasa también por la selección de los materiales). Una obra que supone, para cualquier espectador, la posibilidad de asistir a la contemplación del arte con mayúsculas y que no puede dejar indiferente a nadie.


Rembrandt: Lección de anatomía del Doctor Tulp (1632)
Por qué conocerla: Supone un ejemplo del tipo de encargo "gremial" muy demandado por los grupos de profesionales en el s.XVII, además de un magnífico ejemplo de la producción de Rembrandt, considerado por mucho uno de los pintores más importantes del barroco y, desde luego, el maestro del estilo en Holanda. Una obra que corresponde a los primeros tiempos de la carrera del artista, en la que pueden apreciarse los rasgos de un marcado tenebrismo que combina de una forma única la austeridad con ese raro halo lumínico que logra obtener Rembrandt.

Fragonard: El columpio (1767)
Por qué conocerla: El Rococó fue el arte del sensualismo y el refinamiento, el arte de la clase acomodada de un Antiguo Régimen que sólo desea que la representación responda al imperativo del gusto estético. Y si bien es verdad que en muchos casos se desarrolló como un estilo saturado, Fragonard es un ejemplo de frescura y delicadeza galante dentro del movimiento, destacando su famoso El Columpio. Una obra que está considerada como una de las composiciones más representativas del rococó y cuyo especial encanto se debe a ese tratamiento de las formas y el color de ascendencia típicamente italiana.


David: La muerte de Marat (1793)
Por qué conocerla: Con esta obra nos encontramos ante una representación cuyo objetivo responde a cuestiones de índole político: el contexto, la Revolución Francesa; la intención, convertir al escritor Marat en mártir de la causa. Loado por su amigo David, el pintor neoclásico (quién además era un firme partidario de los jacobinos), la representación responde a una idealización y a una deformación de la perspectiva destinadas a mostrar el cuerpo asesinado por una integrante de la facción girondina. La forma al servicio de la expresión. El cuadro, sin embargo, posee una doble naturaleza ciertamente extraña, ya que, al tiempo, es tremendamente realista y se ajusta con precisión a los detalles del suceso.



Gustav Klimt: El beso (1907-1908)
Por qué conocerla: Con esta obra, internacionalmente célebre, nos acercamos al más famoso de los representantes de la Secesión vienesa. En sus cuadros se conjuga todo el decorativismo del movimiento modernista con un peculiar estilo, marcadamente simbolista y de un cierto tono lírico (y que recoge incluso referencias de la tradición bizantina) que ha sido imitado hasta la saciedad en épocas posteriores.

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Argentina. Próxima Exposición en el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires

Image by bruna benvegnù via Flickr

Del 21 de agosto al 5 de octubre
Variaciones latinoamericanas.
Obras de la colección

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Esta exposición reúne un conjunto de 60 piezas de la colección de Malba y unos pocos, pero precisos, comodatos, con el objetivo de presentar una nueva visión de las obras de pequeño formato y, en especial, de las piezas sobre papel, que pertenecen al museo. Los dibujos, grabados, fotografías, collages, libros, las pocas esculturas y óleos, elegidos permiten ver algunas de las múltiples y variadas propuestas artísticas que presentaron las artes visuales de la región entre 1910 y 1965, abarcando artistas de la Argentina, Uruguay, Brasil, Chile, Cuba, México, Ecuador, Venezuela y Costa Rica. Tres vertientes fueron privilegiadas para poner en escena matices y personalidades. La primera corresponde a la etapa inaugural de la modernidad y las vanguardias en América latina, entre 1917 y 1930. Se exhiben ejemplos del vibracionismo, el cubismo, el neocriollo, el retorno al orden y el realismo crítico, en sus mezclas y contaminaciones entre lo europeo y lo nacional, lo culto y lo popular, lo moderno y lo histórico, lo racional y el oscurantismo, imagen y lenguaje, arte y política. La segunda entrada abarca la problemática de lo fantástico y de los surrealismos que resultaron de los cruces entre las culturas locales y lo internacional, las religiones de origen africano y el psicoanálisis, lo primitivo y lo urbano, las vivencias del paisaje y el folclore regional y el imaginario aprendido y experimentado en Europa. Países como México, Argentina y Brasil dan claros ejemplos de la situación. El tercer módulo abarca los años 50 y 60, con sus diversas preguntas alrededor de la abstracción y la representación, la geometría y lo concreto, la figuración y la no figuración, lo emotivo y lo conceptual, lo barroco y lo mínimo. Posibilidades y proyectos que investigaron artistas como Helio Oiticica en Brasil, Matías Goeritz en México y Emilio Renart en Argentina. En simultáneo aparecen las variantes del arte óptico de Polesello y la geometría generativa de Vidal y Mac Entyre. El centro de la sala contiene un conjunto de esculturas y pinturas que, en una breve síntesis, recorre las mismas problemáticas durante los mismos años, abriendo caminos, proponiendo otros desvíos y amplificando ciertas cuestiones, desde los oficios del óleo y del bronce como materiales y desafíos. Variaciones latinoamericanas es una muestra para pensar y disfrutar de obras que son representaciones de algunas de las ideas, reflexiones y supuestos que transitaron los artistas del continente y los artistas internacionales, desde principios del siglo XX hasta la famosa década del sesenta, desde la modernidad hasta los inicios del arte contemporáneo.

Malba - Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires
Av. Figueroa Alcorta 3415. Ciudad Autónoma de Buenos Aires
54(11)48o8-6500

Los mundos de Xul Solar

Image by juanboliche via Flickr

Óscar Agustín Alejandro Schultz Solari nació en San Fernando, Buenos Aires, Argentina, en 1887. Entre 1911 y 1924 recorrió Europa y tomó contacto con las vanguardias artísticas, de las que tomó diferentes aspectos con los que creó un estilo muy personal.

Fue de los primeros artistas que en Europa, acogió los movimientos de vanguardia: cubismo, fauvismo, futurismo, expresionismo, surrealismo y principalmente Paul Klee; pero suyos son los símbolos oníricos que aducen un ámbito de fábula por la firmeza del color, habitando sus espacios por curiosas figuras: soles, castillos, caminos, montañas, serpientes, horóscopos, laberintos, signos. A su regreso a Buenos Aires, entre 1924 y 1927, colaboró como ilustrador en la revista Martín Fierro.

Personaje excéntrico e ingenioso alcanzó una gran cultura, que exhibía con sencillez y gracia poco común. Como indicativo de la misma cabe señalar que se expresaba en diez idiomas, configuró una importante biblioteca, era lector de todas las materias, interesado en religiones orientales o en leyendas. El literato argentino Jorge Luis Borges lo definió como "Hombre versado en todas las disciplinas, curioso de todos los arcanos, padre de escrituras, de lenguajes, de utopías, de mitologías y astrólogo, perfecto en la indulgente ironía y en la generosa amistad, Xul Solar es uno de los acontecimientos más singulares de nuestra época".

Su pintura acoge un mensaje esotérico, el cual le califica y define con carácter original y lo aparta del automatismo surrealista. Es su lenguaje neocriollo, cuya teoría estética es fundada en consideraciones astrológicas. Se nutre de inocencia, sabiduría hermética e ironía. En su producción local, se colma de otros signos: escaleras, torres, cúpulas, muros, grafía. máscaras, mostrando mayor preocupación por su exotismo que por soluciones plásticas. Cada uno de sus pequeños cuadros en acuarela encierra una anécdota, un relato resuelto mediante signos pictográficos.

Xul Solar, por la calidad de su pintura de contenido poético y metafísico cuando no de concepción mística y visionaria, no tiene ni ascendencia ni descendencia en el arte latinoamericano.

Xul Solar es un nombre que habla de una poder: el poder creador. Un nombre aún no suficientemente reconocido. Xul perteneció a la estirpe más extraña y restringida de los creadores: la del artista visionario. Para Xul, el universo, lo real, no es la sucesión de los hechos, el abanico desplegado de los seres y de las formas. En su nervadura más sutil, lo real es torrente constante de visiones. Lo real es la suma de los veloces aleteos del colibrí. Sólo aquellos movimientos de las alas de la ligera ave danzarina son lo real. Ese movimiento sólo puede ser recuperado, conservado, a través de una visión. Xul vio los aleteos del colibrí invisible. ¿Acaso desde allí proceden las visiones que pueblan su obra? Xul nació en la provincia de Buenos Aires, Argentina, en 1887. Abandonó el mundo humano en 1963. En 1912 subió a un barco que lo debería llevar hasta Hong Kong. El destino torció el timón de la nave y lo condujo hasta Londres. Allí inicia una peregrinación por distintas ciudades europeas que concluyen en 1924 cuando regresa a la Argentina. En una librería de Turín halló un ejemplar del almanaque del Der Blauer Reiter, el jinete Azul. Allí relumbraban las imágenes pictóricas del expresionismo, el más importante movimiento pictórico de la primera mitad de este siglo. A este movimiento pertenecieron Kandinsky, Marc, y Klee. Para los expresionistas, la pintura es el anhelo de lo remoto, un hacer visible lo invisible, un expresar una necesidad interior. Lo real palpita replegado, oculto, en el corazón interior, intangible, de las cosas. Por eso, para pintar lo que es la realidad hay que hurgar en la propia intimidad, y liberarse del afuera, de la representación del mundo tal cual parecer ser.

El pintor debe traer, convocar la realidad lejana mediante símbolos y formas extrañas y vivaces combinaciones de colores. Igual que para los expresionistas y para el pintor uruguayo Joaquín Torres García, para Xul el mundo es misterio que se descifra, si quiera parcialmente, a través de la imagen simbólica mítica, onírica. De ahí el amor de Xul por la historia de las religiones, los mitos antiguos, la filosofía hermética y el simbolismo astrológico y cabalístico. Los símbolos que imperan en las pinturas de Xul son dragones, banderas, serpientes, altares, imágenes de tarot, signos astrológicos, esvásticas y escaleras. Xul adepto al esoterismo, compartió esas inquietudes en muchas ocasiones con su gran amigo: Jorge Luis Borges. Coincidencias de dos espíritus devotos de lo fantástico. Varias tardes el escritor y el pintor se reunieron en una casa de Buenos Aires, ubicada en Laprida 1212. Actualmente allí existe el Museo Xul Solar. Allí aún perdura una de las mejores bibliotecas que el creador de Ficciones halla visto. Cerca de aquella biblioteca de volúmenes en varios idiomas sobre los saberes de Oriente y Occidente, Xul y Borges se abocaban a una gozosa y compartida lectura de Swedenborg y Blake, otros místicos como el habitante de la casa de la calle Laprida. Ni bien regresó a Buenos Aires, Xul se integró a la vanguardia de la revista Martín Fierro, donde también palpitaron Macedonio Fernández, Borges y Girondo. Hombres todos nutridos por las musas de la literatura. En otro importante creador literario de la Argentina, en Leopoldo Marechal, Xul causó una candente impresión. En la excelsa obra de Marechal, en Adán Buenos Ayres, en su séptima parte, se narra el descenso al infierno iniciado en Saavedra, un barrio de Buenos Aires. El narrador y el astrólogo Schultze iniciaron su incursión en Cacodelphia, la ciudad de la tribulación y el sufrimiento, contraparte de Calidelphia, la ciudad celestial. El astrólogo Schultze es al mismo tiempo Xul Solar, nuestro pintor visionario. El genio de Xul no sólo se expresó mediante la pintura. Liberó también su pulsión inventiva a través de un panajedrez; una panlengua; una recreación del español, el neocriollismo; un tipo de teatro de títeres para adultos. El panajedrez, panjuego, o ajedrez criollo, se diferencia del ajedrez convencional por su cantidad de casillas. Posee 13 en lugar de las ochos habituales. La cantidad de piezas son 60, en lugar de 32, con 30 correspondientes a cada jugador. Las casillas se correlacionan con el tiempo...y las constelaciones y signos zodiacales. La partida se comenzaba fuera del tablero. La anotación de las jugadas puede generar palabras, motivos musicales y pictóricos. El juego así no sólo admite las combinaciones de movimientos sin fin. También permite estimular la creación musical y pictórica. Xul solar convirtió su existencia en irradiación creadora. Xul (luz) Solar. Pero su luz no es la claridad que deja ver los objetos, los seres y realidades ya existentes. Su luz intensa es un lápiz de punta ígnea que traza en el espacio nuevas formas de creación. Las visiones que muestran el colibrí secreto, que vuela y vive dentro de un cielo sutil, secreto, donde el realismo se pinta con los colores y formas de la fantasía.

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ARTELISTA

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"Si yo pinto a mi perro exactamente como es, naturalmente tendré dos perros, pero no una obra de arte" Goethe

Argentina y el cine.Entrega de los Premios Cóndor de Plata

El realizador cinematográfico Leonardo Favio y su película "Aniceto" fueron los grandes ganadores de los Premios Cóndor de Plata, obtuvieron nueves estatuillas otorgadas por la Asociación de Cronistas Cinematográficos a la producción 2008. "Aniceto" obtuvo: mejor filme, mejor director, mejor guión adaptado,Leonardo Favio y otros sobre cuento de Jorge Zuhair Jury, revelación masculina, Hernán Piquín, mejor fotografía Alejandro Giuliani, mejor montaje, Paola Amor, mejor sonido y música, Iván Wyszogrod y mejor dirección de arte, Andrés Echebeste. La ceremonia se realizó anoche en el estudio mayor de Canal 7, la televisión pública, su conducción estuvo a cargo de Gabriela Radice. La convocatoria tuvo una gran participación de actrices, actores, directores, técnicos y ejecutivos de diferentes empresas relacionadas con la industria cinematográfica. Leonardo Favio al tomar la palabra dijo:"Gracias a todos los que apoyan a las artes y a la buena gente, yo no quiero que nadie me recuerde por ser un ingrato, porque la ingratitud hiere hondo como la mirada de un hijo triste... me encontré con muchos grandes actores, muchos de los cuales debutaron en mis películas, mucha gente que amo, que quiero, estoy seguro de que cuando llegue el momento que atisbo no tan lejano del horror con el que intentan cercarnos, van a ser parte de la vanguardia que nos defienda... desde hace muchísimos años no sentía tanto apoyo para nuestro cine", tras lo que se refirió al trabajo de la presidente del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales, Liliana Mazure, y al de Secretario de Cultura de la Nacíon, Jorge Coscia. "Suelo decir que para hacer cine y para toda obra de arte y para toda obra de bien hay que llevar a la izquierda a la gente y a la derecha a Dios; ése es el único secreto y yo creo haberlo cumplido de cabo a rabo en toda mi tarea", manifestó. María Onetto fue la mejor actriz por "La mujer sin cabeza", único premio para el filme de Lucrecia Martel, y Jorge Marrale y Oscar Martínez fueron los mejores actores "ex aequo" por "Cordero de Dios" y "El nido vacío", respectivamente. En el rubro Película en Idioma Extranjero ganó "Persépolis" (Francia-Estados Unidos), en el de Película Iberoamericana resultó ganadora "Tropa de élite" (Brasil) y en la categoría Cortometraje el premio fue para "El empleo", de Santiago Grosso y Patricio Plaza. Hubo momentos de merecidos reconocimientos :a la periodista Clara Fontana, al maestro de fotografía Ricardo Younis, y a la actriz Diana Maggi, nacida en 1927, quien recordó con gran afecto a Enrique Santos Discépolo, su compañero en "El hincha" y referente de una postura nacional y popular. Liliana Mazure, por su parte, reveló que por iniciativa de Tristán Bauer, presidente del Sistema de Medios Públicos, el Incaa contará desde 2010 con un canal dentro del sistema satelital -de acceso libre y gratuito- para difundir el cine argentino a todo el territorio nacional.

Argentina. Cine en el Malba

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El Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, presenta el Ciclo Clásicos de Estreno, con diez grandes obras en copias nuevas y recuperadas.

	El cazador de tigres (1929) de Tod Browning. 70'. Jueves 13 de agosto a las 22.00		El pan nuestro de cada día (1930) de Friedrich W. Murnau. 90'. Jueves 6 de agosto a las 22.00 Domingo 30 de agosto a las 16.00
	El tesoro de la Sierra Madre (1948) de John Huston. 126'. Viernes 14 de agosto a las 21.30 Jueves 20 de agosto a las 16.00		Noche de circo (1953) de Ingmar Bergman. 93'. Jueves 20 de agosto a las 14.00 Sábado 22 de agosto a las 15.00
	Greetings (1968) de Brian De Palma. 88'. Sábado 22 de agosto a las 23.55		El camino hacia la muerte del “Viejo” Reales (1971) de Gerardo Vallejo. Documental 90'. Viernes 21 de agosto a las 16.00
	The Crazies (1973) de George A. Romero. 93'. Viernes 7 de agosto a las 23.55 Sábado 29 de agosto a las 23.55		Un día muy particular (1977) de Ettore Scola. 110'. Viernes 14 de agosto a las 14.00
	El francotirador (1978) de Michael Cimino. 182'. Domingo 9 de agosto a las 14.00 Jueves 27 de agosto a las 15.00		El hombre elefante (1980) de David Lynch. 124'. Jueves 27 de agosto a las 22.00 Sábado 29 de agosto a las 14.30

Avenida Figueroa Alcorta 3415 -C1425CLA-
Buenos Aires, Argentina
+54 (11) 4808-6500

57ª Entrega Premios Cóndor de Plata

Buenos Aires, Argentina

La Asociación de Cronistas Cinematográficos de la Argentina, hoy 10 de agosto, realizará la 57º Entrega de los premios Cóndor de Plata, en la que se destaca la producción del año 2008. Los premios de la Asociación de Cronistas representan el galardón de mayor continuidad e importancia de nuestra industria cinematográfica. Las nominadas son:

MEJOR PELICULA

ANICETO (de Leonardo Favio)
EL NIDO VACIO (de Daniel Burman)
LA CAMARA OSCURA (de María Victoria Menis)
LEONERA (de Pablo Trapero)
LLUVIA (de Paula Hernández)

MEJOR OPERA PRIMA
CORDERO DE DIOS (de Lucia Cedrón)
LA LEON (de Santiago Otheguy)
LA RONDA (de Inés Braun)
LOS PARANOICOS (de Gabriel Medina)
RANCHO APARTE (de Edi Flehner)

MEJOR DOCUMENTAL
4 DE JULIO – LA MASACRE DE SAN PATRICIO (de Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta)
CAFÉ DE LOS MAESTROS (de Miguel Kohan)
IMAGINADORES (de Daniela Fiore)
LA PROXIMA ESTACION (de Fernando Ezequiel Solanas)
LICENCIA Nº 1 (de Matilde Michanié)

PREMIO A LA INNOVACIÓN ARTÍSTICA
CONSTRUCCION DE UNA CIUDAD (de Néstor Frenkel)
HISTORIAS EXTRAORDINARIAS (de Mariano Llinás)
LA NACION MAPUCE (de Fausta Quattrini)
PUERTA 12 (de Pablo Tesoriere)
RASTROJERO-UTOPIAS DE LA ARGENTINA POTENCIA (de Marcos Pastor y Miguel Colombo)

MEJOR DIRECTOR
DANIEL BURMAN (EL NIDO VACIO)
LEONARDO FAVIO (ANICETO)
LUCRECIA MARTEL (LA MUJER SIN CABEZA)
MARIA VICTORIA MENIS (LA CÁMARA OSCURA)
PABLO TRAPERO (LEONERA)

MEJOR GUION ORIGINAL
Lucia Cedrón, Santiago Giralt con la colab. de Thomas Philippon Aginksi (CORDERO DE DIOS)
Sandra Gugliotta con la colaboración de Pablo Fendrik (LAS VIDAS POSIBLES)
Alejandro Fadel, Martín Mauregui, Santiago Mitre y Pablo Trapero (LEONERA)
Paula Hernández (LLUVIA)
Pablo Solarz (UN NOVIO PARA MI MUJER)

MEJOR GUION ADAPTADO
Leonardo Favio, con la colab. de Rodolfo Mórtola y Verónica Muriel, basado en el cuento "El Cenizo" de Jorge Zuhair Jury (ANICETO)
Inés De Oliveira Cézar y Sergio Wolf, basado en "Ifigenia en Aulide" de Eurípides (EXTRANJERA)
Maria V. Menis y A.F. Murray, basado en homónimo de A. Gorodischer (LA CAMARA OSCURA)
Edi Flehner, basado en "Rancho Aparte" de Julio Chávez (RANCHO APARTE)

MEJOR GUION DOCUMENTAL
Juan Pablo Young y Pablo Zubizarreta (4 DE JULIO – LA MASACRE DE SAN PATRICIO)
Miguel Kohan y Gustavo Santaolalla (CAFÉ DE LOS MAESTROS)
Néstor Frenkel (CONSTRUCCION DE UNA CIUDAD)
Julio Miguel Azamor y Daniela Fiore (IMAGINADORES)
Fernando Solanas (LA PROXIMA ESTACION)

MEJOR ACTOR
ERNESTO ALTERIO (Lluvia)
JORGE MARRALE (Cordero de Dios)
OSCAR MARTINEZ (El nido vacío)
GERMAN PALACIOS (Las vidas posibles)
ADRIAN SUAR (Un novio para mi mujer)

MEJOR ACTRIZ
LEONORA BALCARCE (Cordero de Dios)
VALERIA BERTUCCELLI (Lluvia)
VALERIA BERTUCCELLI (Un novio para mi mujer)
ANA CELENTANO (Las vidas posibles)
MARTINA GUSMAN (Leonera)
MARIA ONETTO (La mujer sin cabeza)

MEJOR ACTOR DE REPARTO
MAURICIO DAYUB (Paisito)
ARTURO GOETZ (El nido vacío)
GABRIEL GOITY (Un novio para mi mujer)
JUAN MINUJIN (Cordero de Dios)
HORACIO PEÑA (Cordero de Dios)

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO
SILVINA BOSCO (La cámara oscura)
INÉS EFRON (El nido vacío)
NATALIA OREIRO (Las vidas posibles)
MALENA SOLDA (Cordero de Dios)
MARIA VANER (La mujer sin cabeza)

REVELACION MASCULINA
LEANDRO CASTELLO (Rancho aparte)
FRANCISCO NEPOMUCENO (Regresados)
HERNAN PIQUIN (Aniceto)
RAFAEL SPREGELBURD (La ronda)
MANUEL VIGNAU (Cordero de Dios)

REVELACION FEMENINA
MIRTA BOGDASARIAN (La cámara oscura)
ANA CELENTANO (Las vidas posibles)
ELLI MEDEIROS (Leonera)
NATALIA PELAYO (Aniceto)
JAZMIN STUART (Los paranoicos)

MEJOR FOTOGRAFIA
ANICETO - Alejandro Giuliani
EL NIDO VACIO - Hugo Colace
LA LEON - Paula Grandio
LEONERA - Guillermo Nieto
LLUVIA - Guillermo Nieto

MEJOR SONIDO
ANICETO - Iván Wyszogrod
CAFÉ DE LOS MAESTROS - Guido Berenblum y Anibal Kerpel
LA LEÓN - Abel Tortorelli
LEONERA - Federico Esquerro
LLUVIA - Martín Grignaschi

MEJOR MUSICA
ANICETO - Iván Wyszogrod
CAFÉ DE LOS MAESTROS - composiciones del conjunto
EL NIDO VACIO - Nico Cota
LA CAMARA OSCURA - Marcelo Moguilevsky

MEJOR MONTAJE
ANICETO - Paola Amor
CORDERO DE DIOS - Rosario Suárez
LA PROXIMA ESTACION - Mauricio Minotti, Alberto Ponce y Fernando E. Solanas
LEONERA - Ezequiel Borovinsky y Pablo Trapero
LLUVIA - Rosario Suárez

MEJOR VESTUARIO
ANICETO - Mónica Toschi
CORDERO DE DIOS - Marisa Urruti
EL NIDO VACIO - Roberta Pesci
LA CAMARA OSCURA - Mónica Toschi
LEONERA - Marisa Urruti

MEJOR DIRECCION DE ARTE
ANICETO - Andrés Echeveste
CORDERO DE DIOS - Cristina Nigro
LA CAMARA OSCURA - Marcela Bazzano
LEONERA - Coca Oderigo
RANCHO APARTE - Mariela Rípodas

MEJOR PELICULA EXTRANJERA
CARAMEL (Sukkar Banat, Francia/Líbano – de Nadina Labakl)
LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA (Le scaphandre et le papillon / The Diving Bell and the Butterfly, Francia/USA – de Julian Schanabel)
LA VIDA DE JUNO (Juno, USA/Canadá – de Jason Raitman)
PERSEPOLIS (ídem, Francia/USA – de Vincent Paronhaud y Marjama Satrapi)
QUEMESE DESPUES DE LEERSE (Burn alter reading – USA/ G.Bretaña/ Francia – de Ethan y Joel Coen)

MEJOR PELICULA IBEROAMERICANA
ARRANCAME LA VIDA (México- de Roberto Sneider)
EL ORFANATO (México/España – de Juan Antonio Bayone)
FADOS (España/Portugal – de Carlos Saura)
LA PERRERA (Uruguay/Argentina/España/Canada- de Manolo Nieto)
TROPA DE ELITE (Brasil – de José Padilla)

MEJOR CORTOMETRAJE
UN SANTO PARA TELMO de Santiago Hadida y Gabriel Stagnaro
DOS METROS de Javier Mrad, Javier Salazar y Eduardo Maraggi
EL EMPLEO de Santiago Grosso, Patricio Plaza
A PAPÁ de Sergio Teubal

NOMINADOS POR PELICULA

ANICETO (11 NOMINACIONES)
Mejor Película
Mejor Director (Leonardo Favio)
Mejor Guión Adaptado
Revelación Masculina (Hernán Piquín)
Revelación Femenina (Natalia Pelayo)
Mejor Fotografía
Mejor Sonido
Mejor Música
Mejor Montaje
Mejor Vestuario
Mejor Dirección de Arte

CORDERO DE DIOS (11 NOMINACIONES)
Mejor Opera Prima
Mejor Guión Original
Mejor Actor (Jorge Marrale)
Mejor Actriz (Leonora Balcarce)
Mejor Actor de Reparto (Juan Minujin)
Mejor Actor de Reparto (Horacio Peña)
Mejor Actriz de Reparto (Malena Solda)
Revelación Masculina (Manuel Vignau)
Mejor Montaje
Mejor Vestuario
Mejor Dirección de arte

LEONERA (10 NOMINACIONES)
Mejor Película
Mejor Director (Pablo Trapero)
Mejor Guión Original
Mejor Actriz (Martina Gusmán)
Revelación Femenina (Elli Medeiros)
Mejor Fotografía
Mejor Sonido
Mejor Montaje
Mejor Vestuario
Mejor Dirección de arte

EL NIDO VACIO (8 NOMINACIONES)
Mejor Película
Mejor Director (Daniel Burman)
Mejor Actor (Oscar Martinez)
Mejor Actor Reparto (Arturo Goetz)
Mejor Actriz de Reparto (Inés Efron)
Mejor Fotografía
Mejor Música
Mejor Vestuario

LA CAMARA OSCURA (8 NOMINACIONES)
Mejor Película
Mejor Directora (María Victoria Menis)
Mejor Guión Adaptado
Mejor Actriz de Reparto (Silvina Bosco)
Revelación Femenina (Mirta Bogdasarian)
Mejor Música
Mejor Vestuario
Mejor Dirección de Arte

LLUVIA (7 NOMINACIONES)
Mejor Película
Mejor Guión Original
Mejor Actor (Ernesto Alterio)
Mejor Actriz (Valeria Bertuccelli)
Mejor Fotografía
Mejor Sonido
Mejor Montaje

LAS VIDAS POSIBLES (5 NOMINACIONES)
Mejor Guión Original
Mejor Actor (Germán Palacios)
Mejor Actriz (Ana Celentano)
Mejor Actriz de Reparto (Natalia Oreiro)
Revelación Femenina (Ana Celentano)

CAFÉ DE LOS MAESTROS (4 NOMINACIONES)
Mejor Documental
Mejor Guión Documental
Mejor Sonido
Mejor Música

RANCHO APARTE (4 NOMINACIONES)
Mejor Opera Prima
Mejor Guión Adaptado
Revelación Masculina (Leandro Castello)
Mejor Dirección de Arte

UN NOVIO PARA MI MUJER (4 NOMINACIONES)
Mejor Guión Original
Mejor Actor (Adrián Suar)
Mejor Actriz (Valeria Bertuccelli)
Mejor Actor de Reparto (Gabriel Goity)

LA LEON (3 NOMINACIONES)
Mejor Opera Prima
Mejor Fotografía
Mejor Sonido

LA MUJER SIN CABEZA (3 NOMINACIONES)
Mejor Directora (Lucrecia Martel)
Mejor Actriz (María Onetto)
Mejor Actriz de Reparto (María Vaner)

LA PROXIMA ESTACION (3 NOMINACIONES)
Mejor Documental
Mejor Guión Documental
Mejor Montaje

4 DE JULIO – LA MASACRE DE SAN PATRICIO (2 NOMINACIONES)
Mejor Documental
Mejor Guión Documental

CONSTRUCCION DE UNA CIUDAD (2 NOMINACIONES)
Premio a la Innovación Artística
Mejor Guión Documental

IMAGINADORES (2 NOMINACIONES)
Mejor Documental
Mejor Guión Documental

LOS PARANOICOS (2 NOMINACIONES)
Mejor Opera Prima
Revelación Femenina (Jazmín Stuart)

LA RONDA (2 NOMINACIONES)
Mejor Opera Prima
Revelación Masculina (Rafael Spregelburd)

ARRANCAME LA VIDA (1 NOMINACION)
Mejor Película Iberoamericana

CARAMEL (1 NOMINACION)
Mejor Película Extranjera

EL ORFANATO (1 NOMINACION)
Mejor Película Iberoamericana

EXTRANJERA (1 NOMINACION)
Mejor Guión Adaptado

FADOS (1 NOMINACION)
Mejor Película Iberoamericana

HISTORIAS EXTRAORDINARIAS (1 NOMINACION)
Premio a la Innovación Artística

LA ESCAFANDRA Y LA MARIPOSA (1 NOMINACION)
Mejor Película Extranjera

LA NACION MAPUCE (1 NOMINACION)
Premio a la Innovación Artística

LA PERRERA (1 NOMINACION)
Mejor Película Iberoamericana

LA VIDA DE JUNO (1 NOMINACION)
Mejor Película Extranjera

LICENCIA Nº 1 (1 NOMINACION)
Mejor Documental

PAISITO (1 NOMINACION)
Mejor Actor de Reparto (Mauricio Dayub)

PERSEPOLIS (1 NOMINACION)
Mejor Película Extranjera

PUERTA 12 (1 NOMINACION)
Premio a la Innovación Artística

QUEMESE DESPUES DE LEERSE (1 NOMINACION)
Mejor Película Extranjera

RASTROJERO-UTOPIAS DE LA ARGENTINA POTENCIA (1 NOMINACION)
Premio a la Innovación Artística

REGRESADOS (1 NOMINACION)
Revelación Masculina (Francisco Nepomuceno)

TROPAS DE ELITE (1 NOMINACION)
Mejor Película Iberoamericana

UN SANTO PARA TELMO (1 NOMINACION)
Mejor Cortometraje

DOS METROS (1 NOMINACION)
Mejor Cortometraje

EL EMPLEO (1 NOMINACION)
Mejor Cortometraje

A PAPÁ (1 NOMINACION)
Mejor Cortometraje

Comenzó el Festival de Cine de Locarno

Image by mbeo via Flickr

Uno de los más importantes de Europa, el cine latinoamericano asegura un lugar destacado entre los grandes.

Dieciocho películas – entre ellas 14 estrenos mundiales- , de 15 países, competirán por el Leopardo de Oro en la 62da edición del Festival de Locarno que comenzó el 5 de agosto. Si bien Europa predomina, Latinoamérica, con tres películas seleccionadas, mantiene su ya habitual presencia distintiva.

En la Plaza Grande, uno de los escenarios al aire libre más imponentes del mundo, se presentarán 13 filmes, entre ellos 10 estrenos mundiales. La sesión “Puertas abiertas”, que cuenta con el apoyo de la cooperación oficial helvética, presenta 23 películas chinas.

Latinoamérica llega con fuerza con tres filmes en competición. “La invención de la carne” del argentino Santiago Loza y “La cantante de tango”, una coproducción argentino-belga de Diego Martínez Vignatti, ambos estrenos mundiales. Así como el film brasilero –coproducido con Francia- “Os famosos e os duendes da morte”, primera obra de Esmir Filho.

El mexicano Enrique Rivero, que con su “Parque Vía”, ganara el año pasado el Leopardo de Oro, vuelve a Locarno, pero en esta ocasión como miembro del jurado de los jóvenes cineastas que presentan sus primeras obras, en tanto el realizador chileno Matías Bize, integra el jurado de la competición de cineastas del presente.

Una sesión de particular importancia, donde tres películas latinoamericanas, todas en estreno internacional, disputarán el trofeo: una brasilera, “A fuga, a raiva, a dança, a bunda, a boca, a calma, a vida da mulher gorila”, de Felipe Bragança y Marina Leliande, y dos argentinas, “Castro” de Alejo Moguillansky y “Todos mienten” de Matías Piñeiro.

En otra sesión, los “Leopardos de mañana”, donde compiten cortometrajes de 37 jóvenes realizadores de 23 países –incluidos 13 suizos- , dos obras son latinoamericanas. Del brasilero Gregorio Graziosi, se presenta “Mira”, y del argentino Igor Galuk, “Túneles en el río”.

Esta edición del festival será la última dirigida por Frédéric Maire, quien se despide de la dirección artística, quien expresó:

"Hay regiones del mundo que sobresalen por una producción original, creativa, llena de coraje, Asia y América Latina."

"Hay varias películas argentinas y brasileras, que corresponponden con lo que está sucediendo a nivel cinematográfico en ese continente. El cine argentino, es joven, desafiante, por momentos sorprendente, en cuanto a Brasil, encontramos directores muy interesantes con realizaciones prometedoras. Esta edición exhibe al mismo tiempo lo mejor de la cinematografía del presente, así como explora nuevos territorios como Mongolia, Corea del norte o África del Sur, con dos grandes temas predominantes, las cuestiones ligadas a la inmigración y a la identidad, que están siempre presentes, viajes impulsados por la guerra, el miedo, la pobreza, los sueños de otros lugares, la relación siempre difícil entre el hombre y la naturaleza, trágicamente deformada por los juegos políticos y económicos”.

La música y el teatro, tienen un lugar esencial. Se inauguró el festival con la actuación de la Orquesta Sinfónica de la Suiza Italiana y la participación estelar del joven pianista Teo Gheorghiu, personaje central del exitoso film suizo “Vitus” de Fredi Murer.

Cabe destacar el homenaje especial al actor de teatro, autor y realizador italiano Pippo Delbono, uno de los invitados de honor; junto con el realizador americano William Friedkin, autor de “The French Conection” , merecedor del Leopardo de Honor y la productora francesa Martine Marignac, a quien se le otorgará el Premio Rezzonico a la mejor productora independiente.

* Sergio Ferrari, en colaboración con swissinf (mcm)